Amaya O`Neill

ABEL JIMENEZ ROLDAN: Andalusian Patio´s

2011-12-16T16:08:00.000-08:00

Arte contemporaneo ;¿decadencia o genialidad?

2011-12-14T09:58:00.000-08:00

Arte contemporáneo: ¿decadencia o genialidad?

de intereconomia.com - RSS - Última Hora

Los museos son más fríos cuanto más modernos. Animales conservados en formol, artistas desnudos sentados en un taburete que afirman ser en sí una obra de arte y cráneos humanos forman parte de un mercado que mueve miles de millones cada año, y que genera casi tantas preguntas como polémicas.
A veces las mejores metáforas se encuentran en la realidad cruda, despojada de toda metáfora. Si no, atienda a esta historia. Ocurrió en Dortmund, donde aparte de un equipo de fútbol, hay una ciudad. Con sus calles, sus comercios y sus museos. Y ocurrió precisamente en uno de sus museos. Tras la hora del cierre, una limpiadora se afanaba en desempolvar cada esquina del recinto. Se dedicaba con especial esmero al cepillado de una zona que parecía estar en obras. Supuso, con buen criterio profesional, que donde hay obras, hay más polvo, y por tanto, más trabajo para una limpiadora responsable. Con insistencia germánica, repasó los alrededores de una suerte de andamio de madera, que se alzaba sobre una negra palangana manchada de cal. Limpió la estructura por dentro y por fuera, dejándola como los chorros del oro, y se detuvo especialmente frotando esas horribles manchas de cal en la palangana. La señora razonó para sí que la cantidad de mugre acumulada en la palangana solo podía explicarse como fruto de la dejadez de sus predecesoras, que al menos desde finales de los 80 no habrían metido la bayeta a esa asquerosa palangana. Satisfecha, después del trabajo bien hecho, se marchó a casa canturreando felizmente los grandes éxitos de Katja Ebstein por las oscuras calles de Dortmund. Bonita noche. Museo limpio. Conciencia limpia. Merecido descanso.
A la mañana siguiente, el trueno, la explosión, el sofoco, el desmayo. El director del museo comprobó con espanto que la obra del difunto artista alemán Martin Kippenberger, Cuando empieza a gotear el techo -de verdad, se llama así- había resultado irreparablemente dañada. Alguien podría volver a manchar la palangana de cal, pero jamás quedaría exactamente como el artista la había concebido originalmente, y eso, indican los expertos, es una desgracia colosal.
Un acalorado debate
Cuentan que el director lloró amargamente frente a la palangana. Los chinos, que cuando hacen turismo y visitan museos europeos sonríen mucho porque no entienden nada, se sacaban fotos con él, y las subían a Facebook bajo el rótulo “artista llorando”, como si todo fuera parte de una performance. Especialmente institucional se mostró en su comparecencia de prensa la señora Dagmar Papajewski, portavoz de Cultura de la ciudad alemana, nada más conocerse la noticia. Primero aludió a que normalmente las limpiadoras de un museo saben lo que deben tocar y lo que no, y finalmente apostilló: “Es igual que en casa, cuando se les dice: ‘Limpie todo, pero no me toque la mesa del despacho”.
La empresa de limpieza, por su parte, se limitó a mostrar su sorpresa por lo ocurrido, asegurando que sus empleados tienen órdenes de no acercarse a las obras a menos de 20 centímetros, espacio suficiente para que ninguna limpiadora, ante -pongamos- la emergencia de un estornudo espontáneo, rompa de un cabezazo una escultura de medio millón de euros.
La señora de la limpieza fue noticia en periódicos de todo el orbe por haber confundido una pieza artística con forma de estructura de obra de albañilería, con una estructura de obra de albañilería. De ahí las últimas declaraciones de la acusada: “Pensé que estaban pintando o arreglando una gotera”. Declaraciones que, por otra parte, provocaron en el director del museo una nueva crisis nerviosa. No en vano, la mayoría de los periódicos han obviado la parte más importante de la noticia: Cuando empieza a gotear el techo estaba valorada en 800.000 euros por la compañía aseguradora que cubría sus posibles accidentes. Se desconoce si después del destrozo, las ruinas de Cuando empieza a gotear el techo se han revalorizado o devaluado, al mantener escuetas diferencias con las ruinas originales.
En la comunidad artística internacional se ha abierto un acalorado debate sin precedentes, entre los partidarios de que la obra de arte ya no existe, y por tanto no debe exponerse, y los nostálgicos que creen que el fallecido Kippenberger no se merece su expulsión del museo por un accidente. Un tercer grupo de críticos, sin duda más malvados, eluden el debate razonando que el 99% de los visitantes no notarán si la palangana está tan guarra como había previsto el autor o no.
Los retretes del Prado
Lo ocurrido en Dortmund ha desatado de nuevo una vieja discusión sobre la decadencia o genialidad del artecontemporáneo. Desde Cuadrado negro sobre fondo blanco de Kazimir Malevich en 1913, y el urinario de Duchamp de 1917, llamado La fuente, hasta nuestros días, la colección de genialidades o vaciedades expuestas en los museos se ha multiplicado por mil, y mueve millones de euros cada año.
Animales conservados en formol, una habitación completamente vacía donde se enciende y se apaga una luz, el vídeo de una operación de cirugía estética, cuadros pintados con excrementos de paloma o una rana crucificada son algunas de las obras que admiran los visitantes de algunos de los museos de artecontemporáneo más famosos del mundo.
Resulta especialmente llamativa la predilección de los artistas modernos por aquellas obras que puedan resultar hirientes para los cristianos, aunque siempre niegan que su propósito sea la ofensa. La rana crucificada del artista alemán Martin Kippenberger -¿les suena de algo este nombre?-, que saltó a la prensa en 2008 tras las protestas del obispo de Bolzano, no es el único ejemplo.
Años antes, Hirst, del que hablaremos ahora, ya había desollado y crucificado a un ternero, según él, para escenificar la “visceral brutalidad de la muerte de Cristo”. También los responsables de la galería que expuso la rana de Kippenberger justificaron en su momento la escultura afirmando que es en realidad un autorretrato del artista “en un profundo estado de crisis”; algo que, por otra parte, los observadores más agudos ya habíamos notado.
Para los profanos no resulta sencillo encontrar explicaciones racionales a muchas de estas obras. Casi siempre, las declaraciones de los propios autores nos ayudan a despejar las incógnitas. Ahí es donde encontramos las razones. Joseph Kosuth es uno de los padres del llamado arte conceptual. Hace unos meses visitó Madrid y el Museo del Prado, regalando suculentos titulares a los periodistas, al afirmar que pintar un Velázquez ya no es arte. En opinión de Kosuth, el artista que quiera ser pintor hoy no debe utilizar a Velázquez como modelo, ni siquiera como inspiración, porque si lo hace, su obra no será realmente artística, al no estar conectada “con su tiempo y con la sociedad”. Un cuadro de Velázquez, zanjaba el estadounidense, “culturalmente, es una obra de arte completamente muerta”. Dicho esto, Kosuth se quedó muy a gusto, y continuó exponiendo sus teorías, explicando que ser artista significa ser investigador, y que el creador de hoy debe alejarse de canales obsoletos como la pintura y la escultura, y buscar otros lenguajes artísticos que le permitan “cuestionar el poder político y económico”. Sin más, se montó en el avión y regresó a Nueva York, quizá para contarles a los norteamericanos que lo mejor del Museo del Prado son los retretes de los cuartos de baño.
En un acercamiento al arte contemporáneo resulta imprescindible detenerse en ciertos protagonistas que han hecho de la provocación su principal vehículo artístico. Sin duda, el más famoso es Damien Hirst, que es además el artista más rico del mundo, por delante de otros multimillonarios como el pintor estadounidenseJasper Johns, o los cantantes Mick Jagger y Paul McCartney. Hirst es conocido internacionalmente por su habilidad para diseccionar animales y conservarlos en formol. Lo que diferencia al gran artista Hirst de un vulgar estudiante de Biología es que, tras introducir los bichos en formol, les da un título sugestivo, les pone un precio nunca inferior al millón de dólares y los expone en museos, o bien los subasta en Sotheby’s. En ocasiones, incluye alguna novedad, como en El becerro de oro, un animal al que también introdujo en formol, no sin antes cambiar sus pezuñas naturales por otras de oro.
Revoluciones culturales
Una de sus obras más famosas es el cadáver de un tiburón conservado en un gran estanque, que se expone en el área de arte contemporáneo del Met de Nueva York. Esta obra o instalación se titula La imposibilidad física de la muerte en la mente de un vivo. La anécdota, que no está de más, es que Hirst tuvo que reemplazar el tiburón en 2006, porque con el paso del tiempo y el efecto del formol, el animal se había deteriorado más de lo que el artista había concebido en su idea original.
Hirst dio un paso más allá en 2007 cuando decoró un cráneo humano con 8.601 diamantes. El anuncio de la galería londinense que estrenó la obra señalaba en gruesas letras que se trataba de algo “sin precedentes en la historia del arte”, y eso, sin duda, es un mérito que nadie le puede arrebatar. Indagando, se descubre otro detalle que no parece menor: Hirst no es el artista. O sí. Es decir, él tuvo la idea, pero fue uno de los joyeros más caros de Londres quién se encargó de llevarla a cabo. Sea como sea, el cráneo está valorado en 75 millones de euros. En tono jocoso, Hirst comentó que el cráneo recubierto de diamantes no corre peligro de descomponerse como sí ocurrió con su obra La imposibilidad física de la muerte en la mente de un vivo -o sea, el tiburón-.
El lenguaje de los críticos de arte ha evolucionado en paralelo a las recientes revoluciones culturales, ofreciendo ilustrativos ejemplos a quienes, a pesar de todo lo anterior, no entienden lo que se está cocinando. Hasta hace unas décadas, la expresión “fin del arte” hacía alusión a la finalidad que pretende una obra artística. Hoy, cuando un artista alude al “fin del arte”, todos sus colegas saben que se está refiriendo exactamente a eso, al final del arte, a la muerte del arte. El debate entre lo que es arte y lo que no lo es suscita hoy más preguntas que nunca. Por eso, en ocasiones, algunos críticos prefieren confrontar dos conocidas imágenes, para que el observador saque sus conclusiones: la bóveda de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, y la obra Mierda de artista, la lata de excrementos que el artista conceptual Piero Manzoni facturó en 1961 como la creación cumbre de su carrera.
Mancha de grasa
La limpiadora del museo de Dortmund engrosa ahora una lista de heroínas que han luchado accidentalmente contra el relativismo artístico con la tozudez de la realidad. Esta lista la encabeza desde mediados de los 80 otra señora de la limpieza, acusada de atentado contra el arte contemporáneo. Los hechos sucedieron en la Academia de las Artes de Düsseldorf una mañana de 1986. La limpiadora se encontraba realizando su trabajo en una de las salas del museo cuando encontró una horrible mancha en el techo. Sin pensarlo dos veces, se encaramó a una escalera y limpió a fondo la mancha con ayuda de abrasivos productos de limpieza. Al fin, ni rastro de suciedad en el techo. Ni de la limpiadora, que tuvo que desaparecer una temporada cuando leyó en la prensa que lo que había limpiado era en efecto, una mancha, pero no una mancha cualquiera. Era nada más y nada menos que la Mancha de grasa del distinguido artista alemán Joseph Beuys, que se exponía en el techo de la sala de la Academia de las Artes de Düsseldorf.
El Estado tuvo que correr con los gastos del incidente, que ascendieron a 20.000 euros. Beuys, por su parte, falleció en 1986, pero no he logrado documentar si el óbito se produjo antes, después o durante el borrado de Mancha de grasa.

MAHATMA GANDHI,Reflexiòn

2011-12-14T02:24:00.000-08:00

...Le preguntaron a Mahatma Gandhi cuáles son los factores que destruyen al ser humano...Él respondió así:
La Política sin principios, el Placer sin compromiso, la Riqueza sin trabajo, la Sabiduría sin carácter, los Negocios sin moral, la Ciencia sin humanidad y la Oración sin caridad...."
"....El que quiera ser amado...que ame....”

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HERMITAGE EN EL PRADO

2011-12-14T02:20:00.000-08:00

HERMITAGE EN EL PRADO

Situado junto al río Neva, El Hermitage forma parte de un gigantesco complejo palaciego, donde el palacio de Invierrno, la residencia de la zarina Catalina la Grande, es el edificio principal. Creado a partir de las colecciones de Pedro el Grande, los sucesivos zares se ocuparon de enriquecer unas colecciones envidiadas por todo el mundo y que abarcan desde el Egipto de los faraones, las culturas siberianas y grecorromanas hasta el arte del Renacimiento, la escultura neoclásica y lo mejor del siglo XX. Así, piezas arqueológicas compiten en belleza con obras maestras de Rembrandt o de Matisse.

Los tesoros del Hermitage se extienden por todas las salas de exposiciones temporales de la ampliación realizada por Moneo. La pintura holandesa e italiana compite con los maestros españoles frente a las espectaculares piezas arqueológicas de oro y piedras preciosas comoPeine con escena de batalla, obra de oro escita del siglo IV a.C., y la joyería siberiana procedente de las colecciones de Pedro el Grande.

El museo del Hermitage atesora tantas y tan buenas colecciones que la ciudad que lo alberga, San Petersburgo es un destino obligado para los amantes del arte. Rubens, Velázquez, Caravaggio, El Greco, Carracci, son algunos de los maestros antiguos representados en sus salas. Pero también Picasso, Matisse, Kandinsky, Lèger, Malevich... Los grandes maestros deslumbran entre las miles de obras que posee el museo ruso. Una selección de 180 piezas, desde el siglo V antes de Cristo hasta el siglo XX, integran lo que será una de las grandes muestras de la temporada y que se abre el próximo martes en el Museo del Prado hasta el 25 de marzo.

obras recientes

2011-11-21T23:41:00.003-08:00

obra reciente

2011-11-21T23:41:00.001-08:00

O.R

2011-04-26T00:59:00.000-07:00

2011-04-18T06:22:00.000-07:00

Audiovisual Expsosicion Forties

OR

2011-04-03T12:33:00.000-07:00

OR

2011-04-02T13:36:00.000-07:00

2011-04-01T10:40:00.001-07:00

2011-03-30T00:46:00.000-07:00

Nueva obra ;proxima exposicion 14 de abril ,Forties ,Sevilla

2011-03-30T00:43:00.000-07:00

paisaje nocturno

2010-03-15T04:03:00.000-07:00

OBRA RECIENTE,HOTEL EME Fusion ;SEVILLA

2009-09-26T07:33:00.001-07:00

Hotel EME Fusion ,Sevilla

2009-09-26T07:27:00.000-07:00

Obra reciente

ABC ARTICULO DE LA EXPOSICION ,ESTUDIO HACHEsobre exposicion

2009-02-23T14:31:00.000-08:00

aRTICULO

CUADRO 2008

2009-02-17T09:44:00.000-08:00

Exposicion Amaya O`Neill ,jueves 19 de Febrero 2009

2009-02-16T13:45:00.000-08:00

EXPOSICIÓN: AMAYA O´NEILL.

Las consecuencias de la práctica de la pintura son infinitas, los resultados concretos sólo serán hallados por el verdadero investigador del hecho artístico, por esta razón cada vez hay más pintores, pero siguen siendo muy pocos los artistas.
Amaya O´Neill manipula su intuición, factor importante en el quehacer artístico que asegura por sí sola una parte importante del desarrollo creativo y sensitivo. Su obra es reflejo de ella misma, aprendiendo a correr su propio riesgo al entrar en la verdad de esa especulación artística; Por lo tanto la reflexión consecuente será la misma obra, en la que todo eso que puede ser tan aéreo, tan inclasificable y que llamamos intuición, sentimiento, sensibilidad, sentido, queda reflejado en el hecho de la creación. Su obra está en función de lo que quiere decir, no se queda en un proceso puramente formal, podemos decir realmente que está movida por el concepto, por el pensamiento, estableciendo un diálogo con la superficie pintada, con sus planos, sus colores, estando siempre atenta a la realidad de la obra, que no es una, sino una distinta por cada persona que se detiene ante ella. Ante esto solo queda decir que Amaya O´Neill, por su persona pertenece a ese privilegiado grupo de verdaderos artistas.
Manuel Caro CaroUniversidad de BBAA de Sevilla

FRANCIS BACON EN EL MUSEO DEL PRADO

2009-02-05T14:14:00.000-08:00

Un total de 62 obras, y una colección de objetos de archivo que permiten documentar el proceso de creación del artista, se agrupan en torno a una serie de hilos conductores que posibilitan el acercamiento a la obra de Bacon en base a algunas de sus grandes filias: el movimiento y el cuerpo humano, la "religiosidad", la angustia vital o sus escogidas y heterodoxas amistades. Una exposición que alberga en sí misma el espíritu del hombre del s.XX, como bien se ha dicho anteriormente de la producción de Francis Bacon, y de la que poco más se puede añadir, excepto que es indispensable de ver. video aqui

Polo ,FOTOGRAFIA EN MOVIMIENTO

2009-01-07T14:41:00.000-08:00

Pablo Neruda

2009-01-07T14:28:00.001-08:00

Queda prohibido llorar sin aprender,
levantarte un día sin saber que hacer,

tener miedo a tus recuerdos…



Queda prohibido no sonreír a los problemas,

no luchar por lo que quieres,

abandonarlo todo por miedo,

no convertir en realidad tus sueños…



Queda prohibido no intentar comprender a las personas,

pensar que sus ideas valen menos que la tuya,

no saber que cada uno tiene su camino y su dicha…



Queda prohibido no crear tu historia,

no tener un momento para la gente que te necesita,

no comprender que lo que la vida te da,

también te lo quita…



Queda prohibido no buscar tu felicidad,

no vivir tu vida con una actitud positiva,

no pensar en que podemos ser mejores,

no sentir que sin ti, este mundo no sería igual…



Pablo Neruda

Cy Twombly en Museo Guggenheim de Bilbao hasta febrero 2009

2009-01-01T21:02:00.000-08:00

VIDEO de presentación

Mi estudio en BBAA

2008-12-21T11:48:00.000-08:00

Nueva ley de derechos de autor para artistas

2008-12-03T10:34:00.001-08:00

Los artistas plásticos están de enhorabuena esta semana: una nueva ley viene a sumarse a las enunciadas para la protección de sus derechos. El Ministerio de Cultura inició en mayo de 2008 los trámites para modificar el artículo de la Ley de Propiedad Intelectual que garantiza el derecho de los artistas a percibir una participación económica en el precio de reventa de sus obras (siempre que la transacción no se haga entre particulares). Una iniciativa que, en este mes de noviembre, ha sido presentada para su aprobación ante la Comisión de Cultura del Congreso.

La exigencia en España de una ley de derechos de autor equiparable al resto de la normativa europea es una reclamación antigua, cuyo principal y fundado argumento se sostenía en la inviabilidad actual de la Ley de Protección Intelectual, promulgada hace más de veinte años. Así, en mayo de 2008, el Ministerio de Cultura presentó un anteproyecto de ley para modificar el derecho de participación de los artistas. Este derecho, también conocido como droit de suite, garantiza a los artistas una parte del precio de reventa de aquellas obras de arte de su autoría u originales después de la primera transmisión, siempre que en la misma intervenga algún profesional del mercado del arte (como comprador, vendedor o intermediario). Este derecho ya aparecía recogido desde 1987 en las leyes españolas, sin embargo, el anteproyecto tenía como finalidad ajustarlo a las directrices marcadas por Europa.

Así, la Ley de Propiedad Intelectual ha experimentado un importante cambio tras la aprobación en noviembre pasado de este proyecto de ley por parte de la Comisión de Cultura del Congreso. No sólo se han establecido nuevamente el precio de activación del derecho y las cantidades económicas a percibir en función del precio alcanzado por la obra (en lugar de los inmóviles 1.800 euros y 3% determinados hasta el momento) sino que, además, han quedado definidas explícitamente aquellas operaciones que generan derechos económicos al autor. De este modo, a partir de ahora, cada vez que en una reventa de obra intervengan galerías de arte, marchantes, salas de ventas y subastas, o cualquier persona física o jurídica que actúe de forma habitual como intermediario (además de aquellos profesionales del mercado del arte que presten sus servicios a través de internet), el artista de la obra deberá recibir el tanto por ciento estipulado que le corresponda. De esta disposición quedan excluidos los tratos negociados entre particulares sin que medie ningún profesional del mercado del arte, así como las reventas promocionales ("aquellas que tienen lugar en los supuestos en que la obra ha sido adquirida directamente del autor, con el fin de facilitar la incorporación de la obra de nuevos artistas al mercado del arte").

Con respecto al precio de activación del derecho (o lo que es lo mismo, la cantidad a partir de la cual el autor tiene derecho a percibir un porcentaje), antes marcado en 1.800 euros, su cuantía ha alcanzado los 3.000 euros máximo (cada estado miembro puede determinar después la cantidad mínima). Igualmente, se ha determinado ahora un máximo de 12.500 euros pagaderos al artista por la aplicación del derecho de participación y un sistema de porcentajes decrecientes por tramos de precios*. En este punto es donde se han generado las mayores controversias, ya que hay muchos galeristas y marchantes que consideran que el pago del porcentaje tiene sentido tan sólo en caso de plusvalía y no en cada reventa, ya que es posible que ésta conlleve pérdidas para el intermediario, quien además tendría que pagar royalties.

* Importe de participación en función de porcentajes (datos BOCG, serie A , número 6 - 1, de 09 de Julio de 2008):

a) El 4% de los primeros 50.000 euros del precio de la reventa.

b) El 3% de la parte del precio de la reventa comprendida entre 50.000,01 y 200.000 euros

c) El 1% de la parte del precio de la reventa comprendida entre 200.000,01 y 350.000 euros

d) El 0'5% de la parte del precio de la reventa comprendida entre 350.000,01 y 500.000 euros

e) El 0'25% de la parte del precio de la reventa que exceda de 500.000 euros

Degas en Madrid

2008-11-02T15:18:00.000-08:00

no os lo perdais¡

Receta para fabricar un mito

2008-10-08T05:19:00.000-07:00

Picasso, Warhol, Van Gogh, Miguel Ángel, Leonardo... grandes nombres que hace mucho que dejaron atrás su condición de meros artistas para convertirse en mitos del arte. Pero ¿cómo llegaron a este punto? Los ingredientes no parecen complicados, aunque en el arte se hace cierto aquello de "en el lugar adecuado, en el momento preciso":
* Difusión (si uno no cuenta con esta posibilidad, sustitúyase por "recuperación gracias a una corriente posterior")
* Novedad (puede utilizarse igualmente "Originalidad", "Unicidad", "Provocación" o "Comportamiento excéntrico")
* Buenas relaciones (léase márketing y/o compradores)
* Teorización (empléese como base)
* Y una pizca de suerte... Leer más>>

Pitagoras

2008-10-03T03:55:00.001-07:00

El filosofo y matematico Pitagoras dijo:
"Las fallas de un amigo escribelas en la arena"

Lao-tse,tao Te Ching,XI

2008-09-29T04:25:00.000-07:00

Unimos treinta radios y lo llamamos rueda;
Pero es en el espacio vacio donde reside la
utilidad de la rueda.
Moldeamos la arcilla para hacer un jarro,
,pero es en el espacio vacio donde reside
la utilidad del jarro,
Abrimos puertas y ventanas cuando construimos una casa,
son estos espacios vacios
los que permiten utilizar la casa.
Por lo tanto ,igual que aprovechamos lo que es,
Deberiamos reconocer la utilidad de lo que no es.

Matthew Ritchie

2008-09-19T09:33:00.000-07:00

THE MORNING LINE
el “anti-pabellón”, representa tres años de colaboración intensiva entre la fundación Thyssen Bornemisza Art Contemporary y el artista Matthew Ritchie, aclamado en 2001 por la revista Time como uno de los 100 innovadores para este milenio por “explorar lo impensable así como lo todavía no pensado”. The Morning Line ha sido concebido por Ritchie como una estructura esencialmente colaborativa, una intersección interdisciplinar donde converge la información especializada de artistas, arquitectos, ingenieros, físicos y músicos para crear una nueva forma: una estructura mutable con multiples expresiones y narrativas que entrelazan su estructura física con las imágenes y sonidos que acoge. Se trata no tanto un recinto cerrado sino un espacio abierto; es la conversión del lugar a un lenguaje que visualiza el pasado y el futuro como espacios indeterminados e historias de mecanismos cuánticos. Las referencias narrativas al Paraíso Perdido de John Milton revisitan las narraciones bíblicas originales del Génesis y de la Caída desde la perspectiva de Satán, Dios, Eva y Adán. El título además, alude a un término utilizado para referirse a los caballos listos para correr las carreras del día, un momento de enorme interés, algo imposible de predecir, porque el futuro que llega con cada día nunca se puede entender sino es a través del pasado.

Constelacion de Taurus por Pablo Picassso

2008-09-16T15:03:00.000-07:00

MUY INTERESANTE

como me gustaria volver a pedir deseos a las estrellas fugaces¡

Giorgio Morandi en Nueva York

2008-09-11T23:51:00.000-07:00

Poética geometría
El Metropolitan Museum of Art presenta, por primera vez en Estados Unidos, una exposición antológica dedicada a la figura del italiano Giorgio Morandi, conocido principalmente por sus sencillas, pero a la vez contundentes, naturalezas muertas. La muestra, organizada en colaboración con el MAMbo de Bologna, reúne más de un centenar de obras, a través de las cuales se traza un recorrido por toda la trayectoria de este gran pintor de lo cotidiano.

IF Rudyard Kipling's Verse

2008-09-09T15:01:00.000-07:00

If you can keep your head when all about you
Are losing theirs and blaming it on you,

If you can trust yourself when all men doubt you,
But make allowance for their doubting too;

If you can wait and not be tired by waiting,
Or being lied about, don't deal in lies,
Or being hated, don't give way to hating,
And yet don't look too good, nor talk too wise:

If you can dream-and not make dreams your master;

If you can think-and not make thoughts your aim

If you can meet with Triumph and Disaster
And treat those two imposters just the same;

If you can bear to hear the truth you've spoken
Twisted by knaves to make a trap for fools,
Or watch the things you gave your life to, broken,
And stoop and build 'em up with worn-out tools:

If you can make one heap of all your winnings
And risk it on one turn of pitch-and-toss,
And lose, and start again at your beginnings
And never breathe a word about your loss;

If you can force your heart and nerve and sinew
To serve your turn long after they are gone,
And so hold on when there is nothing in you
Except the Will which says to them: "Hold on!"

If you can talk with crowds and keep your virtue,
Or walk with Kings-nor lose the common touch,

If neither foes nor loving friends can hurt you,

If all men count with you, but none too much;

If you can fill the unforgiving minute
With sixty seconds' worth of distance run,
Yours is the Earth and everything that's in it,
And-which is more-you'll be a Man, my son!

Que viene a ser algo así:

SI

Si puedes mantener la cabeza cuando todos a tu alrededor
pierden la suya y por ello te culpan a ti,
si puedes confiar en ti cuando de ti todos dudan,
pero también eres capaz de comprender sus dudas;
si puedes esperar sin cansarte en la espera,
o siendo engañado, no pagas con mentiras,
o siendo odiado, no das lugar al odio,
y aún no pareces demasiado bueno, ni demasiado sabio.
Si puedes soñar - y no hacer de los sueños tu dueño,
si puedes pensar - y no hacer de las ideas tu objetivo,
si puedes encontrarte con el Triunfo y el Desastre
y tratar a esos dos farsantes por igual;
si puedes soportar el oír la verdad que has dicho
retorcida por truhanes que hacen trampas para tontos.
O mirar las cosas a las que has dedicado tu vida, rotas,
y agacharte y reconstruirlas con herramientas viejas y desgastadas.
Si puedes apilar todas tus victorias
y arriesgarlas en un cara o cruz,
y perder, y empezar de nuevo desde el principio
y nunca decir nada de lo que has perdido;
si puedes forzar tu corazón y nervios y tendones
para jugar tu turno largo tiempo después de que haya pasado,
y aun así resistir cuando no te quede nada
excepto la Voluntad que les dice: «Resistid».
Si puedes hablar con multitudes y mantener tu virtud,
o pasear con reyes y no perder el sentido común;
si los enemigos y los amigos no pueden herirte,
si todos cuentan contigo, pero ninguno demasiado;
si puedes llenar un minuto inolvidable
con los sesenta segundos que lo recorren;
tuya es la Tierra y todo lo que en ella habita,
y -lo que es más importante-, serás un Hombre, hijo mío.

o

"Si logras conservar intacta tu firmeza, cuando todos vacilan y tachan tu entereza.
Si a pesar de esas dudas,mantienes tus creencias sin que te debiliten extrañas surgerencias.
Si sueñas, sin por ello rendirte ante el ensueño.
Si piensas, más de tu pensamiento sigues dueño.
Si triunfos y desastres no menguan tus ardores y por igual los tratas como dos impostores.
Si hasta el pueblo te acercas sin pereder tu virtud y con reyes alternas sin cambiar tu actitud.
Si no logran tumbarte amigo ni enemigo, pero en justa medida pueden contar contigo.
Si entregado a la lucha con nervio y corazón, aun desfalleciendo persistes en la acción.
Si alcanzas a llenar el minuto sereno con sesenta segundos de un esfuerzo supremo....
Lo que existe en su mundo en tus manos tendrás,
¡y además,hijo mio,un hombre serás!

Juramento de Hipocrates,Grecia

2008-08-06T01:34:00.000-07:00

HIPPOCRATES"Father of Medicine"
The Hippocratic Oath,is stillsworn by the doctors in many parts of the world.This oaths is the basic for the ethics of the world Health Organization(WHO).
www.hippocraticoath.gr

GRECIA;Islas del Dodecaneso

2008-08-06T00:22:00.000-07:00

Luis Gordillo

2008-07-16T02:06:00.000-07:00

“Un aspecto particularmente claro en Gordillo es su evolución, su casi perfecta coherencia. Ahora se reúne más de un centenar de obras que permite analizar algunos pormenores de ese proceso. Con todo, en esta exposición no es esa la cuestión fundamental. Un buen cuadro da muchas cosas antes de su estudio genético, y ante todo lo que tenemos aquí, son esto: unas pinturas extraordinarias. La razón no es muy fácil de explicar. ¿Por qué Vermeer, Bonnard, Klee, Mondrian? Podremos comparar, establecer relaciones de lugar y de tiempo, acudir a una época y situar cada nomnre en su sitio. Todavía nos queda un último apartado. La categoría de la calidad. Picasso entrevió muy bien que sigue la realidad al arte, cuando el artista tiene talento. No se trata de grandes medios, sofisticadas poéticas o revolucionarias técnicas, sino de algo más sencillo aunque más difícil, y desde luego mucho menos frecuente. Gordillo tiene ese talento. Recuerdo aquella vez que vi sus cuadros hace más de diez años, una mañana fría y luminosa, dentro de una habitación alquilada en un modesto piso, por Aluche. A mi regreso, mientras reconocía en el cristal semiopaco del metro las imágenes que acababa de ver, comprendía el sentido de una cierta radiografía síquica que no se extrae de la persona, si no de su situación. Creo desde entonces que la filosofía del tema de su arte va por ahí, apoyándose en la vida cotidiana con un bastón de sociólogo.”… …“Su excursión al extranjero de la narración. Es en el trayecto en este caso donde radica su esfuerzo. Viene del informalismo, pero andando, no en avión. Mantiene la actitud vital, espontánea, anormativa, gracias a su método de trabajo, su personal sistema nevera.”… Juan Antonio Aguirre. Catálogo de Luis Gordillo. Dirección general del patrimonio artístico y cultural, 1977. (Del libro 23 artistas. Madrid. Años 70.)

WEBCAM SAGRES

2008-07-13T05:25:00.000-07:00

muy interesante puedes ver playas y lugares en todo el mundo a tiempo real¡

Kara Walker

2008-07-09T02:53:00.000-07:00

Del 27 de junio al 30 de agosto del 2008, en el CAC. Málaga

Las obras de Kara Walker (Stockton, 1969) producen en quien las contempla un cúmulo de sensaciones encontradas. La belleza formal de sus trabajos -tan sensibles, delicados y estéticamente cuidados- contrasta de manera chocante con la brutalidad de los temas que estos suelen tratar. Para realizar las características siluetas, que la artista relaciona directamente con su habilidad como dibujante, ya que pese a haber realizado estudios de pintura, no se considera una pintora; Walker se inspira formalmente en las caricaturas recortadas sobre cartulina negra típicas de la corte francesa del s. XVII. En los últimos años, sus piezas han ido evolucionando: las siluetas recortadas que encontramos en los inicios de su meteórica carrera han pasado del papel a la proyección, un formato que Walker tiene muy presente y que, además de resultarle de especial interés a la hora de trabajar en torno a las sombras, se convierte en un medio genial para trabajar con las mencionadas siluetas, tan características de su trabajo. Estas piezas nos remiten a los antecedentes del cine, a las linternas mágicas y al teatro de sombras; las realiza, por tanto, mediante técnicas muy sencillas con las que se siente muy a gusto; aunque en la actualidad también está comenzando a experimentar con películas muy básicas, a través de las que consigue una continuidad con el resto de sus trabajos, ya que resultan igual de expresivas, directas y bellas que el resto de sus instalaciones.

En cuanto a la temática de su obra, es siempre recurrente porque, de algún modo, tratarla a través del arte representa para la artista un modo de enfrentarse a sus propios fantasmas y, también, a los que ha creado la humanidad a lo largo de la historia. El racismo y el apartheid son las cuestiones que más se repiten, poniendo especial énfasis en los conflictos que han suscitado y en el modo en que la historia los ha trasmitido, así como reflexionando tanto sobre las idealizaciones como acerca de las a veces poco visibles vejaciones que estos relatos conllevan. Walker se plantea todas estas cuestiones desde su perspectiva de artista negra, mostrando imágenes en muchos casos durísimas al respecto; mientras que, como mujer, le interesan los temas de género, otra de las constantes que encontramos desde sus inicios, al igual que otros controvertidos asuntos como la esclavitud, el sexo o las injusticias sociales.

Aunque la artista ya ha mostrado su obra en España en otras ocasiones, el CAC. Málaga nos ofrece la oportunidad de ver la primera retrospectiva que se realiza sobre ella en nuestro país. Dibujos, pinturas, instalaciones de siluetas proyectadas y vídeos conforman esta muestra, que podrá visitarse en el citado museo hasta el próximo 30 de agosto. A través de la sencillez de las formas y la delicada belleza de sus recortes, la exposición nos descubre la posición crítica, sincera y profunda de la artista; no exenta en algunos caso de un halo de ambigüedad que le confiere, además, un grado de misterio que resulta de lo más atractivo. Además, el centro malagueño presenta en primicia The Black Road, una instalación creada específicamente para esta ocasión, en la que las sombras nos desvelan, una vez más, aquello a lo que es más difícil enfrentarnos.

Ross Ford

2008-07-03T10:14:00.000-07:00

Y tambien pinta tablas de surf para quien le interese¡ http://blog.myspace.com/index.cfm?fuseaction=blog.ListAll&friendID=103946287

sometimes

2008-07-03T09:51:00.000-07:00

Desnudos contra el cambio climatico

2008-07-01T06:25:00.000-07:00

Spencer Tunick, el fotógrafo especializado en desnudos masivos, ha realizado un encargo muy curioso para GreenPeace; un desnudo de 600 personas en un glaciar de los Alpes, para denunciar el cambio climático. A continuación, el vídeo de la sesión fotográfica. ¡¡¡¡QUE FRIO¡¡¡¡

Nueva atribucion del cuadro EL Coloso

2008-07-01T06:22:00.000-07:00

El Museo del Prado (Madrid, España) emitía hace unos días un comunicado que ha causado un auténtico revuelo en los círculos artísticos: la nueva atribución del cuadro El Coloso, hasta ahora una de las obras cumbre de Goya, a Asensio Juliá, colaborador del pintor aragonés. Hasta aquí nada especial, las atribuciones erróneas suelen ser frecuentes en la Historia del Arte, más cuando hablamos de autores con una gran producción que habrían precisado de aprendices o, incluso, otros maestros pintores. Sin embargo, el debate que se ha abierto respecto al “valor” de la obra es asombroso, ya que supedita la calidad artística al nombre reconocido. Y esto, además de entrar dentro del terreno de la falta de lógica, es una pérdida para todos por el maniqueísmo implícito en la consideración basada en exclusiva en la firma de un artista que, así, no posee más valor que la de una marca comercial cualquiera.

Barcelo en el IMMA

2008-06-28T13:10:00.000-07:00

aqui

no os perdais el video de la Capella de Mallorca,seria una buena opcion este verano ir a verla,debe de ser impresionante

y el paso doble

Speed painting with ketchup and french fries

2008-06-28T01:50:00.000-07:00

aqui el video

yoshiaki nagashima

2008-06-26T05:24:00.002-07:00

http://www.artbreak.com/work/show/63767-sakura---sakura-----japan-yoshiaki-nagashima

THE PAINTING OF MODERN LIFE AT THE HAYWARD GALLERY, LONDON

2008-06-22T02:42:00.001-07:00

HERE the video

Louise Bourgeois en el Museo Guggenheim

2008-06-22T02:06:00.001-07:00

Cuando sea mayor ,quiero ser como tu¡

sometimes

2008-06-21T03:54:00.000-07:00

Dennis Jones

2008-06-15T10:47:00.000-07:00

someday things will be different

Dennis Jones

2008-06-15T10:28:00.000-07:00

Este artista es increible ¡

Y dice;
Drawing is fundamental to my process through its immediacy as in the way I'll scribble a quick note to myself in pen or pencil to capture a passing word or thought. The computer too is a useful tool that allows a different sort of drawing that can be more immediate and economical than my analog scribbling.

My work focuses on the thoughts and discourse that take place between me and the visual objects that I make, which could be a drawing, painting, sculpture or some hybrid installation - it'...

Figura,TINTA CHINA SOBRE PAPEL

2008-06-15T03:50:00.000-07:00

tinta china sobre papel
2008
por Amaya O'Neill

Sin titulo

2008-06-15T03:37:00.000-07:00

Acrilico sobre lienzo
200x200
2008
Amaya O'Neill

Catedral del Duomo ,Milan,Offertes

2008-06-15T02:55:00.000-07:00

Quizas hay tantas velas como años acaba de cumplir mi abuela¡

Pensamiento

2008-06-14T11:10:00.000-07:00

Sólo el que sabe es libre, y más libre el que más sabe... Sólo la cultura da libertad... No proclaméis la libertad de volar, sino dad alas; no la de pensar, sino dad pensamiento. La libertad que hay que dar al pueblo es la cultura.

Miguel de Unamuno

El contenido y la realidad del artista

2008-05-11T03:56:00.000-07:00

.......
las obras de arte abstractas utilizan en términos plásticos nociones de formas y emociones abstractas para establecer una unidad de categoría superior.
Esto puede explicarse de mas claramente si decimos que una bola es una esfera o que el otoño es triste .
Aquí,un objeto es reducido a la categoría geométrica de abstracción,y la apariencia física de una abstracción es reducida a la abstracción emocional,y a la vez ambas abstracciones pueden ser utilizadas para establecer otras ideas.
Es en este sentido en el que funciona la abstracción.
............................
por Mark Rothko"la realidad del artista"

2008-05-01T14:18:00.000-07:00

Feria de Arte Contemporaneo. Kunstart

2008-03-26T13:18:00.000-07:00

En breve a Bolsano ,norte de Italia ,con motivo de la feria de arte contemporaneo que alli se celebra del 22 al 25 de Mayo